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从“戏剧”电影到景观电影

时间:2019-11-10 09:50来源:现代文学
不置可否,正是在美国电影的熏陶下,中国第一代电影创作者和电影观众才形成了对电影的认识,就是地地道道的左翼电影,在叙事技巧上也受到好莱坞电影手法的影响。数字化对电影

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不置可否,正是在美国电影的熏陶下,中国第一代电影创作者和电影观众才形成了对电影的认识,就是地地道道的左翼电影,在叙事技巧上也受到好莱坞电影手法的影响。数字化对电影艺术产生的深远而重大的影响,“可以从电影内部和电影外部两个方面来看……从电影内部看数字化手段改变了传统的电影制作方式,照相现实主义的制作美学正和虚拟现实主义的制作美学相融合……从电影外部看数字技术改变了电影的存在环境,在数字化的平台上。文本互映:戏剧电影与景观电影之辨析电影本应在确立对真善美价值追求的前提下采用多种有效手段为观众营造戏剧氛围,但囿于文化、民族、时代及地域的差异性,传统的戏剧电影和当代景观电影在营造戏剧效应的表现手法上亦有所不同。

电影《小毕的故事》海报

叙事;观众;好莱坞;景观电影;影像;影片;艺术;戏剧电影;奇观;创作

当前我国电影市场开始呈现差异化的态势,最显著的现象就是好莱坞商业大片已不是一家独大,国产电影和美国以外其他国家的类型片也能够在票房上取得较好的成绩。但是,无论从剪辑方式还是呈现影像经验的角度来检视票房较高的国产电影,好莱坞式的电影语言在这些电影里依旧占据主导地位。在“说什么”更重要的当下,“怎么说”似乎不是一个问题,鲜有人提出商业电影不应等同于运用好莱坞电影语言的电影,这种现象在主流电影中体现得尤为明显。影像是一种观察方式,也是一种思考方式,创作者的知识和信仰就体现在观看方式之中。随着我国电影工业的发展,青年人才得到更多机会,年轻创作者“随大流”只会助长商业电影的市场惯性,而无从对电影语言的风格进行反思。台湾新电影被认为在中国叙事的传统上找到了属于东方电影的现代性,是对东方的电影语言很成功的一次尝试,无疑其中有不少经验值得借鉴。

内容提要:本文拟探讨这样一种假设,即在肯定高科技水平对电影产生推动作用的前提下,随着科学技术的不断发展和生产力的进一步提高,脱胎于戏剧这一传统门类的光影艺术,其传统的戏剧化形态、戏剧性生成、构成方式也在潜移默化间产生了变革,典型的“戏剧式”叙事手法被大场面、大投入的视觉景观无形削弱,影像奇观及其产生的戏剧张力吸引观众的眼球,牵引观众的思维。在发展日益加速的新技术背景条件下,传统的电影叙事策略的位移及其衍生的文化派生现象,对中国乃至全球电影创作均产生了深远的影响。

日前在泰州举办的第四届“微影·我们”微电影大赛上,留美青年导演邓亮宏的作品《消失的卡式录音带》获得国际及港澳台单元优秀影片奖,这部熟练运用西方电影语言的作品引起了记者的好奇,这部作品证明了影像的可学习性,因为美国的影像教育塑造了创作者的观看方式,并且说明影像风格的模仿繁殖能力极强。本届比赛的嘉宾陈坤厚是上世纪80年代台湾新电影时期重要的创作者,他担任摄影的《儿子的大玩偶》 《风柜来的人》和他导演的《小毕的故事》为台湾新电影奠定了影像基调。记者采访了陈坤厚和邓亮宏,希望能够通过两人的经验分享,帮助青年电影人尽快形成风格自觉。

6165.com,关 键 词:戏剧电影#景观电影#影像奇观#叙事策略#文化派生

记者:放映完《消失的卡式录音带》 ,邓导上台交流时,我身边的观众都很惊讶导演是个中国人,可能是因为短片中演员全是外国人让人误以为导演也是外国人。但我觉得是因为电影运用空间和运动的方式是美国电影风格,才引起了这个误会。电影是全世界都看得懂的,但观众仍然能够分辨出东西方电影风格的差异,台湾新电影也受过西方影响,却拍出了有民族风格的人文电影,陈导是怎么找到自己的风格的?

作者简介:陈清洋,中国电影艺术研究中心,北京 100082;饶曙光,中国电影艺术研究中心,北京 100082

陈坤厚:电影本来就是外国发明的,外国人鼻子尖尖,眼睛大大的,当然好表演嘛,实际上眯眯眼也挺好看,但是眯眯眼眼神就差了。我们曾经看到上世纪三十年代上海影片就是跟中国文化有关的。台湾在技术方面主要是两个系统,日本和好莱坞,但我们那一代反而比较喜欢欧洲电影,尤其东欧电影人文的表达让我们有很多的思考。考虑如何诠释自己的电影的时候,我给自己的很重要的功课就是你一定要爱这块土地,像我都在台湾拍嘛,我生长在台湾,认识这块土地所有的人、事、物,还有人跟人的关系,我是在滋养内心的世界。当我能掌握创作的时候,我一定要把这块土地上人的部分做一个呈现,不管好人坏人。有人说你电影里怎么全是好人,把坏人也拍成好人了。这是我看人的视角,是个人价值观和对人跟人关系的看法的电影呈现。

电影可以说是人类历史上最重要、最伟大、最无害的科技发明。从电影发明的原理和过程来看,电影是现代科学发明和现代工业的产物。19世纪末,当电影的发明者们巧妙地发现并利用了人眼的视觉暂留现象,使静止的画面“活动”起来时,他们没意识到自己已经开启了一扇伟大的艺术之门。当时的人们绝想不到这项发明会给人类的生活带来怎样广泛和深刻的影响。随着科学技术的每一次进步和发展,电影自身也在不断进行完善和超越。电影与技术始终是相伴而生的。在100多年的发展过程中,科技是电影诞生、成长、发展、壮大的先决条件。作为一门新兴艺术,电影搭载在科技媒介的平台上,从小说、戏剧、绘画、音乐、舞蹈等传统艺术中汲取养料,特别是借助戏剧传统的表现技巧,应运而生且不断壮大。在新技术不断发展和电影产业化的新世纪,电影在适应市场和观众的需求中同戏剧分野、前行。

记者:当年台湾的人文电影为什么受欢迎,后来的情况怎么样?

历史溯源:电影范式的华丽转身

陈坤厚:我们那时的观众是拍什么就看什么。台湾新电影把创作者个人成长的经验呈现在银幕上,刚好台湾电影也缺了这一块,就用5到8年时间把这一块补上了,接下来变成什么样却没有把握住。我最近两部片子在欧洲也被关注,我一直关注家庭、孩子、人跟人的关系,我很清楚我的受众。我的电影都是小小的,但所有的感情放诸世界都是可以被接受的。

电影范式,是以宏观和整体把握的方向,研究在一定政治、经济、文化及社会、集体心理基础上所形成的主流电影的规范及模式。它是由主流意识形态、电影生产、发行、消费体制,以及艺术家个人的想象力和风格之间的冲突、适应产生的张力所决定的。而在主流电影规范和模式下产生的经典作品,也是构成电影范式的最重要的内容和最基本的要素①。电影自诞生以来即产生了两个分支,卢米埃尔的纯真描摹最终走向了纪录片之维,而梅里爱从拍摄《贵妇人的失踪》起,除了借鉴各种照相和舞台的手法发明了许多对后来电影影响极大的技巧如多次曝光、叠印、叠化等之外,还把戏剧上的许多方法如剧本、演员、化妆、布景、机关装置及景和幕的划分运用到电影中来,使电影从戏剧移植了许多叙事的技能,由此诞生了戏剧电影。在20世纪二三十年代,梅里爱时代的舞台搬演逐渐过渡到了戏剧电影,即讲述戏剧化故事的电影,其风格是“现实主义”的,和早期的现实主义戏剧一样,无论是制作方的导演、编剧还是作为接受方的观众,他们的“艺术情节”仍然停留在对故事的钟情上②。

记者:这说明具有民族风格的电影诞生于独特的文化环境,而且往往诞生在特定的一个时期。邓导是在美国拍的毕业作品,有没有受当地的文化环境所限制?

“戏剧”一词来源于希腊文“dran”,英文为“Drama”,指剧、戏剧,意为“做”、“行动”、“动作”。戏剧作为人类艺术的瑰宝,从古希腊时期就开始为陶冶人类崇高的心灵作出了杰出的贡献。而戏剧史上众多的戏剧大师,则为人类贡献出瑰丽而辉煌的戏剧文化。戏剧电影可以分解为两种意义不尽相同的形态。一种是指直接从舞台上搬移到银幕上来的戏剧,实质上就是戏剧,只不过经过摄像机的镜头和银幕上的再现之后,多少产生一些变化,它所制造的基本上是舞台的效果。另一种是运用传统戏剧化的叙事方式讲述一个生活故事,没有舞台的痕迹,观众从中能感觉到戏剧性的氛围、节奏、结构及其所制造的戏剧化效果。换句话说,电影在讲述故事的时候,一旦涉及动作、冲突、情境、悬念、场面诸如此类在戏剧里已经建立了理论概念的东西时,它就很自然地被看作有“戏剧化”倾向的电影。我们所说的戏剧电影,并非传统观念中对戏剧本体的借鉴,而是借助戏剧化的叙事语言推动故事的发展。电影向戏剧学习、借鉴的过程,也是电影不断成长的过程。传统模式下,电影叙事建立在对故事清晰生动以及颇具娱乐性的讲述上,其基本法则就是以冲突作为推动剧情发展的动力,情节结构和发展脉络比较吻合戏剧中的开始、发展、高潮和结果。相较其他艺术门类,综合艺术的电影无疑从戏剧中“偷”到了许多起承转合的精髓和奥妙,因为电影的叙事模式和戏剧同构,都是反映观众的接收坐标,也是最能代表该时期社会风土人情的典型范本。

邓亮宏:我拍毕业作品的时候,我的教授说你是个亚洲人就一定要找亚洲的演员来演,我却找不到好的亚洲演员,我想谁能演得最好就找谁,所以找了外国人演。

毋庸讳言,电影最初的成长在很大程度上得益于戏剧。大多数国家的早期电影都源自对本国最早的舞台艺术的模仿甚至照搬,比如日本的能剧和中国的京剧。早在20世纪50年代,法国著名电影理论家安德烈·巴赞在其论著中就提出“戏剧提携了电影”的观点。从戏剧本质的定义中可见:演员表演、一定长度的故事、假定性、观众是其不可缺少的构成要素。正是这些独特的构成要素才使戏剧这朵独具魅力的艺术奇葩散发出其他任何艺术样式都代替不了的功能。但是,电影不是戏剧。早在1910年,侨居法国巴黎的意大利文艺评论家卡努杜就敏锐地意识到了这一点,试图首先把电影从戏剧的阴影里分离出来,给电影做出新的艺术定位。他警告法国的艺术家们“不要在电影和戏剧之间寻找相同点!”他认为各种艺术可归纳为两大类:时间艺术和空间艺术。如音乐、舞蹈和诗歌是时间艺术;建筑、绘画和雕塑是空间艺术。而在两者之间存在着一道鸿沟,电影恰恰就是填平这道鸿沟的“第七艺术”。卡努杜尖锐地批评当时的电影或者只是平铺直叙地、干巴巴地去图解一个文学作品,或者过分简单地沿用了拉丁民族的哑剧传统,包括自奥古斯特时代流传至今、以手势演出的戏剧和其他以表情动作为主的戏剧的传统。事实上,电影自身又具有戏剧所不具备的优势,如于果·明斯特伯格提到的“注意力”。他从电影经验的感知入手,认为电影可以通过镜头的变化开始扩大人类的感知世界,将“注意力”的思维动作具体化和形象化,并认为“电影艺术正是开始于戏剧艺术的极限”③。

陈坤厚:邓导是受美国的教育又回到中国的, 《消失的卡式录音带》是他在美国的毕业作品。其实文化认同是非常困难的,高中毕业到美国上四年课,在那边重新建立文化底蕴要花很长时间。你又要重新去认识才能处理外国人为什么会这样子、外国人对事情的看法,到60岁可能才能掌握如何去拍一部西方情感的电影。当你回到这块土地来,素材选择、想拍什么,一秒钟就解决了所有的问题,而且自信。多看外国电影,但不要忘记自己身边所有的人文经验,因为最终诉诸电影的是你自己这块土地上所有应该发生的事情以及对它们的看法和判断,拍任何题材的底子都一样。李安的电影让人很感动,但要想把中国的内核移植进好莱坞的形式,太难了,也就是他能做到。

早期电影在戏剧化叙事当中和戏剧本源之间的确存在着一种剪不断理还乱的关系。在早期好莱坞时期,电影明显模仿、借鉴戏剧,以一种特定的方式讲述一个特定类型的故事,基本上遵循着亚里士多德以来的传统戏剧的创作原则。戏剧化电影的叙事结构永远有一个明确的核心,那就是冲突。冲突的起因、发展、激化或转折乃至结果,以一种透明的整一性,使故事的叙述干干净净、清清楚楚。又由于冲突所含有的必然的因果关系,使影片中的每一个情节都显得在思维逻辑上具有合理性,并由此让观众在理性和感性上都得以认可。R·艾伦和D·戈梅里分析说,“好莱坞叙述的故事包括一条连续的因果链,动因是某个角色的欲望和需求,通常的解决方式就是满足这些特定的欲望和需求,在好莱坞电影中各种电影元素都被调动起来从属于叙事”,剪辑、场面调度、布光、摄影机的运动及表演联合起来产生一种“透明的风格”,“使观众留意于影片讲述的故事而不去关心讲述的方式”,同时,“也防止提出影片自身作为文化客体和审美客体的地位问题”④。最终,好莱坞电影经过几十年的磨合和发展,形成了一整套适合市场规律和观众心理的戏剧性生成和构成原则,其对戏剧化因素的注重和把握是其他任何国家的电影难以比拟的。好莱坞的基本娱乐原则是为它的观众提供一个梦幻式的精神乐园,而好莱坞“讲故事”不仅符合电影在最终的意义上决定于观众的本质特征,同时也符合现代化电影工业的生产和传播规律。美国好莱坞的戏剧化电影也是一种类型电影。所谓类型电影,从整体上说,是以商业价值为终极目的、以戏剧化的叙事模式为整体形态、以愉悦观众为主要功能的常规电影。好莱坞类型电影中的经典作品作为戏剧化电影的典范,把电影的戏剧化生成、构成方式及其叙事功能发挥到了极致,推向了成功的巅峰。《罗马假日》、《魂断蓝桥》、《一夜风流》、《翠堤春晓》等影片都是通过戏剧冲突和传统戏剧结构建构而成的经典之作。这些戏剧化电影都具有鲜明的线性叙事结构,开端、发展、高潮和结局分明,强调按照戏剧冲突律来组织和推动情节,如《罗马假日》和《瑞典女王》都是隐瞒了女主角高贵的地位,《魂断蓝桥》中的战争背景造成女主人公接连处于一种“失语”的状态,最终阴差阳错走向歧途,这些影片都具有巧合、误会等多重诱因,通过不断的悬念造成紧张激烈的戏剧性情境,并往往在结尾处真相大白,宣扬弃恶扬善等传统礼义道德。更重要的是,好莱坞之所以被人称为“梦幻工厂”,或被说成是在编织美国神话,在于好莱坞类型电影的本质是秉持娱乐性原则的。既然好莱坞类型电影的本质是娱乐原则,那么好莱坞电影非常注重“好看”,强调故事发展必须要有波澜,讲究制造悬念、设置圈套等叙事技巧,讲究通过对叙事信息的藏和露、呼和应的巧妙驾驭来强化电影的戏剧张力,从而强有力地抓住乃至控制观众。一句话,强调电影的观赏性,强调电影所能提供给观众的视听快感乃至视听奇观。

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